EUPHONIA - DOVE I FIORI NON MUOIONO - RECENSIONE E INTERVISTA A CURA DI LUCA STRA PER #DIAMANTINASCOSTI

Una casa nelle campagne di Arezzo circondata da boschi blu. È in questo luogo tra silenzio e sogni che è nato “Dove I Fiori Non Muoiono” dei torinesi Euphonia. Miriam Ballerini (voce e tastiere), Jacopo Cattanea (chitarra), Lorenzo Consoli (chitarra e sintetizzatori), Federico Vicari (batteria) e Laura Amerio (basso e basso synth) si sono isolati dal mondo per una settimana e hanno trovato la direzione giusta per dare un senso più profondo al loro disco. Composto da otto brani, “Dove I Fiori Non Muoiono” trabocca di strumenti ma, allo stesso tempo, ogni passaggio è ridotto all’essenziale. L’abbondanza non diventa mai ridondanza. Apre l’album "La Mia Carne" che contiene il verso chiave dell'intero progetto: “Scappo dove i fiori non muoiono, nel bosco blu”. Il bosco blu rappresenta il punto di arrivo della mappa dei luoghi emotivi che tracciano il percorso dell’intero disco, un luogo di pace e riconnessione con la vulnerabilità del proprio io più profondo. A seguire "Cento Fate", nato dall'esperienza al “_resetfestival” con Dario Mangiaracina de La Rappresentante di Lista, che ha co-arrangiato il pezzo, spicca per la cura delle dinamiche e per il lavoro svolto sullo special, punto di svolta in cui la voce guida la successiva esplosione strumentale. Molti brani si legano uno all’altro in un continuum pinkfloydiano in cui i piccoli rumori, le voci di fondo che sporcano il silenzio aggiungono ulteriori sfumature. “Sei Nebulosa” dai vaghi sapori folk nelle prime strofe riprende la metafora del bosco blu come luogo di riflessione su cosa siamo. “Sulle stelle, Insieme A Voi” esprime il puro lirismo notturno introspettivo di una camminata nel fitto della boscaglia tra gli alberi. “Forse C’è La Neve”, brano in cui il basso gioca un ruolo chiave, è una fotografia malinconica scattata ai ricordi del Natale. “La Città dei Sogni” gioca sull’armonizzazione della voce di Miriam, frontwoman più che mai, che guida come una direttrice d’orchestra l’innalzarsi del muro dei synth. Penultima traccia del disco “Non È Colpa Tua” porta alla ribalta la sezione ritmica, che è motore indiscusso del brano. In chiusura del lavoro “Giallo” è il suono di una chitarra e il canto di musicisti seduti su un prato sotto un manto di stelle che risplendono come diamanti pazzi. La deflagrazione sonora dà un senso di liberazione che nel finale porta con sé la sensazione di stare finalmente bene.

Abbiamo fatto una chiacchierata con Miriam Ballerini, con un intervento di Lorenzo Consoli.

- Cosa rappresenta per voi il colore blu? Blu come la copertina, come il bosco, come il prato…

- Sicuramente il blu, come in molte altre tradizioni musicali è il colore della malinconia e della tristezza. Però in questo disco, almeno per me, è associato molto alla notte, alla natura di notte. Al perdersi nel cielo, al perdersi nelle stelle ed è associato anche alla riflessione. 

- Infatti se non sbaglio c’è un’espressione inglese, “to be in a blue mood” che significa essere triste. 

- Esatto, ma poi anche nella tradizione jazz il blu è strausato.

- Ho letto che il singolo “Cento Fate” è stato co arrangiato da Dario Mangiaracina de La Rappresentante di Lista. Quale contributo ha portato nella ricerca delle dinamiche, dell’equilibrio del pezzo?

- Noi lo abbiamo co arrangiato con lui perché abbiamo partecipato al _resetfestival (nda un Festival torinese che è allo stesso tempo vetrina, eventi, formazione e scouting) in cui ogni artista viene affiancato da un mentore, che nel nostro caso era Dario. Il pezzo in realtà era già quasi tutto arrangiato. Lui ci ha dato una grossa mano soprattutto sullo special che era un po’ senza gusto. Il lavoro con lui è stato molto divertente perché, innanzitutto, io all’inizio suonavo anche la tastiera e lui mi ha detto “togliti dalla tastiera, canta e basta”. Cosa che per me è stata un attimo difficile. E sullo special che è una parte che cresce molto come dinamica mi ha detto “tu cresci con la frase non mi basta, non mi basta” e fai capire ai musicisti quando devono fermarsi per poi andare sulla parte strumentale. Poi effettivamente anche un po’ di chicche a livello di produzione ce le ha spiegate, come sul basso, sul suono della chitarra. È stato davvero molto utile. 

- Quindi vi ha anche spiegato come fare da soli la prossima volta in studio.

- Ci ha dato tanto per il live. Insieme abbiamo preparato il concerto di quella sera all’Hiroshima Mon Amour, abbiamo provato la scaletta più volte, lui mi ha dato tanti consigli su come stare sul palco e ammetto che questa esperienza ha cambiato anche un po’ il mio modo di vedere il live. 

- Quale è stata la differenza tra prima e ora?

- Io adoro nascondermi dietro le tastiere, però per come esce la voce nel disco, per l’importanza che ha e anche per come è mixato è giusto che mi prenda lo spazio da leader, da cantante e quindi che impari a muovermi sul palco. Lo sto ancora facendo, però da quando abbiamo lavorato con Dario ad ora mi concentro molto di più sul cantare, sull’essere più presente fisicamente sul palco.

- E delle tastiere chi si occupa?

- Lorenzo. In realtà lui si è sempre occupato delle tastiere perché noi ne abbiamo un po’ sul palco. Al momento sono quattro, prima erano cinque. Sì, ci piacciono i tasti. Semplicemente abbiamo deciso che della parte elettronica si occupi di più lui e io intervengo solo per le parti di piano. Quindi per me c’è il momento più intimo in cui suono di pianoforte, però come dicevo della parte elettronica si occupa di più lui. 

- Poi una caratteristica che apprezzo dei vostri brani è quella di mischiare i momenti, cioè ci sono dei crescendo come onde che salgono, scendono e risalgono. 

- Sì, capita spesso, a volte è voluto e a volte no perché poi nella scrittura succedono mille cose diverse. Magari arriva qualcuno con un giro già scritto. Altre volte il pezzo prende direzioni inaspettate quindi invece di una struttura lineare strofa-ritornello-strofa-ritornello ci perdiamo in mille crescendo. 

- Per la scrittura dell’album avete vissuto un ritiro di una settimana in una casa sperduta in provincia di Arezzo. Come ha influenzato questa scelta l’album che è poi uscito? 

- L’ha influenzato tantissimo. Uno di noi ha la fortuna di avere questa casa di famiglia in provincia di Arezzo proprio nel nulla. Quando scrivo un testo mi capita all’inizio di dire parole a caso. Ad esempio il bosco blu. Era del tutto casuale. Poi passando questa settimana in posti in cui era tutto silenzioso, nei boschi la notte con le stelle ho pensato “il tema centrale del disco deve essere anche questo”. Siamo stati totalmente ispirati da quel posto. 

- Le chitarre di Jacopo e Lorenzo lavorano per saturazione. Come avete curato l’equilibrio tra questi strati sonori e la sezione ritmica?

- Questa domanda dovresti farla a Lorenzo perché il disco l’ha mixato lui e si è occupato molto anche della produzione. 

LORENZO (nda mi ha gentilmente inviato la sua risposta). Abbiamo la fortuna di essere in cinque, quindi una volta definita e concretizzata la sezione ritmica abbiamo altri due, tre strumenti che sono le chitarre elettriche o la chitarra classica o acustica, i sintetizzatori o il pianoforte che possono essere molto liberi sul lato melodico e armonico. Questo perché essendo in tanti possiamo essere un po’ più slegati dalla sezione ritmica. Quindi abbiamo lavorato definendo basso e batteria in modo che funzionassero bene insieme indipendentemente da tutto, nonostante non siano strumenti prettamente ritmici. Il basso soprattutto è molto melodico in quest’album, ma penso anche alla batteria in pezzi come “Non è colpa tua”, per quanto sia un po’ un’iperbole ha una componente quasi melodica per il tipo di pattern che suona e le accordature dei tamburi. Una volta definita, come dicevo, la sezione ritmica ci siamo molto sbizzarriti sul lato armonico e melodico avendo tanti strumenti e ne abbiamo usati davvero tanti, purtroppo o per fortuna non ci siamo limitati sotto questo aspetto. Il risultato finale è senz’altro molto denso e saturo, ma non prescinde dall’idea iniziale che era avere una sezione ritmica che funzioni, avere una melodia che funzioni e di conseguenza delle armonie molto libere.

- Parliamo dell’atmosfera onirica di “Sei Nebulosa”, le domande sulla propria esistenza, su cosa si è. Il verso “Nel girotondo di porte e di specchi tu non vivi più” è una metafora del senso di intrappolamento in cui viviamo oggi, che è come essere in un labirinto di specchi?

- Sì esatto. Parla di ricerca personale, di essere totalmente persi. 

- Nei vostri testi le riflessioni politiche e sociali emergono in modo metaforico a partire dai vostri stati d’animo. Credete che la musica debba avere sempre una funzione di testimonianza collettiva? 

- Sempre forse no però penso, parlando per esperienza personale, nel momento in cui decido di parlare di me, che le mie emozioni siano inevitabilmente correlate alla società in cui vivo. Per cui per forza devo parlare di qualche aspetto sociale, politico. Perché quello che vivo e che sento è inevitabilmente collegato all’attualità. Secondo me, ad esempio, i palchi devono essere un mezzo per esprimere opinioni. Nel momento in cui si ha un microfono in mano è giusto esporsi.

- Ho visto che siete riusciti già a fare un bel percorso live, vi siete esibiti anche all’Eurovision. Come ci siete arrivati?

- Quella è stata una delle nostre primissime esperienze. Era l’Eurovision Village, un evento a parte rispetto all’Eurovision vero e proprio, che avevamo fatto solo in duo, chitarra e voce io e Jacopo perché avevamo vinto il “ToVision”, un contest tra Licei che adesso è cresciuto, ma quando abbiamo partecipato noi nel 2022 era proprio il primo anno, una cosa un po’ più piccola,. A Eurovision Village eravamo solo io e Jacopo ed erano i primissimi concerti. 

- Ai miei tempi si chiamava se non ricordo male “Pagella rock”.

- No, quella è ancora un’altra cosa.

- Cui avete sempre partecipato se non sbaglio.

- Sì esatto, due anni fa sì. 

- Il vostro esordio come band invece quando è stato?

- Come band è stato al CAP10100, sempre nel 2022, però con due elementi, bassista e batterista, diversi. 

- Qual è il percorso che è chiamato a fare l’ascoltatore da “La Mia Carne” a “Giallo”. Quindi dal blu al giallo?

-  A me piacerebbe che ogni ascoltatore avesse davanti a sé una mappa, che noi diamo nei CD, in cui sono specificati tutti i luoghi del disco. Forse è un po’ difficile capirlo solo dall’ascolto, ma il disco nei testi segue un percorso preciso che va dalla città alla natura e arrivare al bosco blu. Un percorso fisico, ma anche metaforico e personale che non so se si riesca a capire dai testi. Non è un percorso totalmente lineare, però se tutti avessero la mappa davanti sarebbe perfetto. 

- Ma secondo te non è troppo facile avere la mappa e non conviene a volte buttarla via?

- Sì effettivamente sì. 

Con “Dove I Fiori Non Muoiono” gli Euphonia firmano un disco di emozioni autentiche in cui ognuno si può riconoscere. Perché perdersi nel buio è spesso il primo passo per ritrovare sé stessi.

RITA ZINGARIELLO - A MENTE SCALZA - RECENSIONE E INTERVISTA A CURA DI LUCA STRA PER #DIAMANTINASCOSTI

Ci sono canzoni che hanno bisogno di tempo per maturare, imparare a respirare e ad abitare l’anima di chi le scrive e di chi le ascolta. I brani di “A mente scalza”, il nuovo album della cantautrice pugliese Rita Zingariello sono esattamente così, otto pezzi che quell’anima la raccontano con tutte le sue paure, i suoi slanci, la forza che solo la musica sentimentale, nell’accezione di sentita, può donare. Andando ad esplorare i pezzi uno ad uno l’apertura, affidata a “Le balene di notte” ha un intro molto simpatico con le voci dell’orchestra vocale Flowing Chords, diretta da Margherita Flore, che ritmano un “bo bo bo” espressione dell’ingombrante pesantezza delle balene stesse. L’arrangiamento, come d’altronde tutti quelli del disco, è al servizio del brano, ne esalta le caratteristiche compositive innate. “Ho collezionato poesie in un Paese bugiardo per sopravvivere meglio” canta Rita Zingariello diretta e sincera. “Fidarsi”, che vede la partecipazione del contrabbassista Ferruccio Spinetti, distilla le capacità cantautorali dell’artista in un testo che si sofferma sulla “magia delle piccole cose che hai”, quelle che non si possono disperdere. “Il giorno della festa” trova nella profondità intima ed emotiva tipica del pianoforte l’accompagnamento ideale per una lettera d’amore commovente in cui la protagonista narra il giorno magico in cui ha finalmente conosciuto la propria compagna e il cammino mano nella mano sul sentiero della vita. “Malaluna” è uno dei pezzi più marcatamente jazz dell’intero lavoro. “I tuoi occhi non hanno paura di illudermi, i tuoi occhi mi stanno spogliando, sorprendimi” balla Rita Zingariello, rapita dalla bossa nova sotto la luce di una luna attraente.  A seguire la quinta traccia “Di silenzi”, con la partecipazione di Ernesto Marciante, è un invito a lasciare liberi i propri desideri senza timore che gli altri li possano giudicare. “Inciampa pure” prende atto della caduta come tappa di un percorso e non come incidente, segno di un nuovo livello di consapevolezza raggiunto dall’autrice. La title track “A mente scalza” si apre con le voci vibranti ma mai invadenti del Flowing Chords. Il suggestivo pizzicato di chitarra lascia spazio alla perfezione di un pop cesellato per menti libere di camminare senza scarpe per farsi accarezzare dall’erba dei prati. Chiude il disco “Scivola”, un brano impreziosito dalla tromba di Fabrizio Bosso, uno degli artisti di punta di questo strumento a livello internazionale. L’assolo finale di Bosso suggella un percorso profondamente emozionante. 

Con Rita Zingariello abbiamo parlato di sentimenti, di inciampi, di conquiste e del significato di alcune immagini poetiche presenti nel disco.

- Uno dei fili conduttori del tuo album è il tempo. Tempo passato, tempo sprecato, che precipita. Quale è il tuo rapporto con la dimensione temporale?

- E’ un tempo che si mette in pausa per un periodo in cui ho avuto la possibilità di stare con me stessa, comprendere cosa avevo necessità di raccontare in questo preciso momento. Quindi un tempo che rallenta e che si prende spazio.

- Hai fuso la tradizione del cantautorato italiano con aperture jazz e una dimensione acustica marcata. Ho letto che hai curato gli arrangiamenti con Vincenzo Cristallo. In che modo avete lavorato per far sì che il jazz non prevalesse sulla storia raccontata e mantenendo un suono caldo?

- Abbiamo cercato di assecondare la natura dei brani che nasce nel mio studio, con uno strumento acustico, con la chitarra o con il piano a seconda della canzone e ci siamo detti “diamo un respiro più ampio”, magari con delle sonorità jazz che non rendessero il brano jazz, ma pop con sonorità più acustiche, più raffinate, più ricercate, che mantenessero il brano nella sua semplicità senza modificarne troppo l’essenza. 

- In “Le balene di notte” scrivi “le balene di notte scrivono poesie ai cacciatori che non sanno leggere” e confessi di esserti alleggerita e “selfata”. Come nasce questa sovrapposizione tra immagini marine, primordiali come quella delle balene e la critica alla superficialità contemporanea?

- Non mi sono voluta mettere su un piedistallo per criticare la superficialità, ma mi sono messa in discussione chiedendomi se in qualche modo ho contribuito anch’io qualche anno fa a tutto questo, quando piuttosto che allontanarmi dalla mia zona di confort ho preferito restare al calduccio a casa nella sicurezza della mia posizione ideale piuttosto che mettermi in discussione, fare lo zaino e allontanarmi. E quindi le balene di notte non sono altro che i pensieri che si sono fatti enormi in questo lasso di tempo che separa la Rita adolescente dalla Rita adulta e matura di oggi e provo a portarli in musica per far leggere alcuni messaggi importanti anche a chi magari in un momento di distrazione se li perde, perché li possiamo cogliere solo se ci dedichiamo quel silenzio che ci lascia ragionare sulle priorità della vita per darci la possibilità di fare meglio nel tempo che ci viene donato. 

- Invece in “Fidarsi” parli del ritorno a cantare d’amore sopra tasti ingialliti e scordati e poi quel “mostro senza rabbia che diede un morso al mio collo innocente". Come si intrecciano in questo brano la memoria di una ferita passata e il ritrovare la magia delle piccole cose?

- Il mostro ha un nome. È un linfoma che ho dovuto combattere, superare e quindi è quella paura che sostanzialmente è poi diventata la consapevolezza di quanto preziosa sia la vita. Scrivere una canzone e racchiudere al suo interno messaggi di rinascita diventa una sorta di medicina preziosa, in grado di rimetterti in connessione con i tuoi sentimenti e il tuo talento che è quello di cantare, creare canzoni, suonare uno strumento. 

- In “Il giorno della festa” racconti un incontro nato di fronte al "profumo intenso di caffè bruciato" e l'abitudine di nascondere le mani "come quei nonni in processione il giorno della festa del santo patrono". Che valore ha per te questo ritratto di un amore che trasforma le insicurezze in certezze e rinuncia alla perfezione?

- È il ritratto della mia compagna di vita Dalia e della perdita di quella sorta di vergogna di poter vivere liberamente un amore che ha semplicemente una forma meno comune. Togliere le mani da dietro la schiena per mostrarle senza alcun tipo di pudore è un po’ il racconto del brano. Avere il coraggio, grazie all’amore, di essere sé stessi fino in fondo è una vittoria che in questa canzone provo a raccontare. 

- “Malaluna” è un brano che traspira sensualità, almeno questa è la mia sensazione.

- “Malaluna” è un pezzo di cui avevo scritto il testo, ma che non mi convinceva in pieno e quindi ho chiesto a Gaetano Capitano, che è un autore che ha collaborato con Gazzè e Silvestri in “Il Dio delle piccole cose” e che ho conosciuto anni fa ad una masterclass di songwriting. Dopo quell’esperienza ho avuto la fortuna di diventare sua amica e per “Malaluna” è emerso che il testo dovesse essere modificato per stare meglio all’interno della canzone, della musica che avevo immaginato. Così è venuta fuori l’immagine di sensualità e di una luna che non è detto che prometta qualcosa di buono, ma è invitante. È quello che abbiamo provato a tradurre anche nell’arrangiamento con i musicisti con cui da sempre condivido la mia musica. 

- In “Inciampa pure” esorti a dimenticare le scarpe e ad inciampare sulle tue radici. Come si trasforma l'inciampo in un atto di fiducia?

- Si trasforma nel coraggio di lasciarsi andare a quella caduta. Talvolta per paura di cadere restiamo ancorati alle nostre scarpe, alle nostre difese, alle nostre sovrastrutture per risparmiarci il dolore della caduta. “Inciampa pure” è un invito a mollare la presa per entrare più a stretto contatto con la terra, con l’autenticità, con queste scarpe che si tolgono e ti danno la possibilità di inciampare. Da quella caduta hai la possibilità di trarre un insegnamento, fare in modo che tu possa conoscere te stesso ancora meglio. 

- Nel brano che intitola l’album c’è questa prima ruga sul cuore che, per me, è l’immagine più potente del disco. In genere la ruga è associata alla decadenza, al corpo che comincia a perdere la propria estetica. L’intento poetico è quello di descrivere un percorso dal materiale all’anima?

- Sì, è una chiave di lettura possibile, che mi piace e in qualche modo descrive questa ruga sul cuore, quel cercare di trasformare la ruga da qualcosa di fisico a qualcosa di legato all’anima. Non necessariamente come un segno di invecchiamento ma come un segno che in qualche modo ci riporta a quella consapevolezza che a quarant’anni si ha in misura maggiore.

- Nel pezzo conclusivo “Scivola” ripercorri i tuoi passi sopra i righi di un foglio pulito. È come voltare pagina e ricominciare senza dimenticare ciò che sei stata?

- Assolutamente sì. In “Scivola” la condizione che ho raccontato è legata al fare in modo che il tempo non mi attraversi in modo passivo. Il concetto è farsi scivolare addosso l’inutilità, evitare che il tempo corra in maniera quasi disattenta, evitare di sprecare le occasioni, la possibilità di stare bene con le persone che ami, di poter comunicare lasciando un messaggio positivo con chi si soffermerà ad ascoltare una tua canzone. Ho buttato via vecchi trucchi, tacchi rotti, cose che tenevo ancora strette, chiuse nel cassetto per paura di cancellarne il ricordo. Invece la butto via non perché non appartengano più a me, ma perché ormai l’esperienza vissuta è in qualche modo già in me. È inutile accumulare, anche qui lascio lo spazio, lascio il tempo al presente per godermi quello che arriverà.  

- Parliamo un po’ delle tue collaborazioni. Ho letto di quella con Mogol e ti volevo chiedere se ci puoi raccontare qualcosa di questa esperienza in tour.

- Sicuramente le collaborazioni fortunate che in questi anni di carriera ho potuto godermi sono state tutte fondamentali, mi hanno arricchita, mi hanno insegnato quello che un grande artista più famoso di te può lasciarti come messaggio. Capisco perché non ho mai rincorso un successo che mi desse la fama, perché ritengo che per la mia personalità i grandi numeri non siano probabilmente la casa migliore in cui vivrei. Però è anche vero che ho imparato tantissimo dall’incontro con Mogol, con Gino Paoli, la Turci, la PFM. Tutti ovviamente con approcci artistici e umani completamente diversi, ma ho imparato quello che un grande artista può lasciarti cioè il pensiero “no, non vorrei mai diventare così”.

- Hai potuto fare dei confronti quindi.

- Sì certo. 

- Sono passati circa vent’anni da quando hai pubblicato il tuo primo lavoro “E’ alba”. Cosa direbbe la Rita di allora alla Rita di oggi?

- Di continuare a credere nei propri sogni, nella propria musica, nella possibilità di rimanere sé stessi, di raccontare qualcosa di personale che può diventare un messaggio positivo per chi ti ascolta, in cui può riconoscersi e trovare una via d’uscita. 

Tolte le scarpe, con la mente finalmente libera dalle nubi del passato, Rita Zingariello traccia la rotta di un viaggio interiore che riconcilia con le fragilità e celebra la bellezza dell'imperfezione. Ora speriamo di poterla venire ad ascoltare in concerto per godere appieno del calore della sua musica.

GRIDA - DOLCEMENTE FURIOSI - INTERVISTA E RECENSIONE A CURA DI LUCA STRA PER #DIAMANTINASCOSTI

Immaginate due innamorati in preda al mare in burrasca, separati da una spessa lastra di ghiaccio. Annaspano, si guardano, muovono le labbra provando disperatamente a parlarsi, ma la voce si infrange angosciosamente contro la superficie trasparente senza mai arrivare alle orecchie dell’altro. È proprio in questa barriera emotiva apparentemente invalicabile e nell'urgenza bruciante di infrangerla che risuona l'anima dei Grida, band nata a Modena e formata da Federico (voce e chitarra), Luca (chitarra), Giulio (batteria) e Matteo (basso). Il gruppo ha raggiunto una maturazione sonora tale da guadagnarsi uno spazio di rilievo nell’ambito della scena indipendente nazionale. La vera svolta è arrivata con l’approdo a Milano e l’occasione irripetibile di far parte del progetto “Germi” di Manuel Agnelli. La loro “Nel labirinto” è stata inserita nella tracklist di “Carne fresca – Suoni dal futuro”, la compilation che raccoglie molte realtà interessanti del panorama indipendente nazionale. I Grida hanno poi aperto due concerti dell’ultimo Tour degli Afterhours guadagnandosi un posto sui palchi più importanti d’Italia. Oggi gli ultimi brani editi “Distante” e “Per aria” fotografano una band consapevole della propria identità, ma in piena maturazione sonora.  La struttura che accomuna i due pezzi è l’alternanza tra quiete e tempesta, dolcemente furiosi. 

Il gruppo modenese si è esibito sul palco principale dell’ultima edizione del MEI di Faenza e nell’intervista che mi hanno rilasciato spiegano la loro visione della musica raccontando alcuni pezzi importanti del loro repertorio. 

- Partiamo da “Distante”, in bilico tra dolcezza e furia segna un innalzamento dell’asticella della vostra proposta. Pensate con questo brano di aver messo le basi per una nuova tappa del vostro percorso?

LUCA – Sì secondo me è un pezzo abbastanza chiave dell’evoluzione del progetto, perché è appunto nettamente evidente la necessità che abbiamo in questo momento di comunicare in maniera un po’ diversa da quello che abbiamo fatto fino a questo momento e quindi, secondo me, la chiave per leggere questo brano, uno degli ultimi è un po’ questa dicotomia, questa divisione delle cose. 

GIULIO – Io sono dell’idea che “Distante” abbia tracciato una linea netta nel nostro percorso evolutivo, che non è ancora arrivato ad un pieno traguardo, però rispetto all’EP omonimo “Grida” rappresenta di certo una forte evoluzione, soprattutto associato a “Per aria”. A livello sonoro i due pezzi in qualche modo si legano e rappresentano di più, in questo momento, la nostra identità. Siccome è in continua evoluzione, non è considerabile come un punto d’arrivo. Sicuramente è una fase in cui stiamo maturando e questi due brani “Per aria” e “Distante” ne tengono conto. 

- Il verso “Sembra che scappi dai miei guai” di “Distante” racconta una storia di amore tossico vista dalla parte del tossico?

FEDERICO – Una bella domanda. Quando ho messo giù l’idea di questo brano ho pensato a un amore che, come tutti gli amori, ogni tanto incespica. E l’immagine anche se non è mai descritta nella canzone, ma che avevo in mente era quella di una coppia di innamorati che per una serie di motivazioni strane si trovano a non riuscire a comunicare, come se ci fosse una barriera. L’immagine fisicamente è quella che si vede spesso nei film, due persone divise da una lastra di ghiaccio che provano a parlarsi ma non riescono a comunicare. Quindi il pezzo è più sulle incomprensioni. Poi riconosco che il testo parla di questioni molto concrete in realtà, ma quella che ho detto era l’idea di base.

- Nel vostro omonimo del 2024 emergeva tutta l’influenza del grunge. Già il brano di apertura “La scatola” suona molto Seattle anni 90, la parte più cruda non ancora levigata. Lì a Seattle si era formata una scena. Com’è oggi la situazione a Modena? Vi confrontate con altre band che fanno generi diversi dal vostro, pensate che esista una nuova scena modenese o anche più a vasto raggio o che almeno si siano create le condizioni perché nasca?

FEDERICO – Il collegamento musicale che hai trovato per “La scatola” è assolutamente centrato, musicalmente veniamo molto da quel genere. Per quanto riguarda la scena sono ormai cinque anni che suoniamo e a Modena e abbiamo costruito e alimentato una rete di musicisti che aveva il fine di far uscire dalla cameretta. Da lì è nata tutta una serie di progetti e di band, eventi, ci scambiamo date, contatti ed è una scena molto eterogenea, non c’è un filo conduttore a livello musicale che lega tutti. Questo per quanto riguarda Modena, ma mi sento di dirlo anche per Milano, un ambiente che frequentiamo molto ultimamente e che è un po’ il polo nevralgico della scena della musica indipendente in Italia con il progetto “Germi” di Manuel Agnelli. Quindi sì la scena esiste, ovviamente non mettendola sullo stesso piano di quella di Seattle degli anni 90, rispetto alla nostra del 2020. Andando a confrontarle una grandissima differenza è nel fatto che la nostra non è vincolata a un genere. Invece un altro aspetto molto in comune è l’esigenza espressiva di questi progetti. Moltissimi hanno brani propri, provano a scrivere le loro canzoni e si fa fatica a trovare progetti di cover, tribute se non per le band embrionali in cui conta iniziare a conoscersi musicalmente. 

- Sinceramente vi invidio. Qui a Torino ci sono centinaia di cover band degli artisti famosi e si accaparrano gran parte delle serate nei locali. 

FEDERICO – Sì ci sono anche qui ma è un fenomeno legato più a un’altra generazione. 

- Sempre l’omonimo del 2024 è disseminato di buone idee. Per esempio “Nel labirinto” è stata inserita in “Carne fresca – Suoni dal futuro” ed è diciamo una canzone “bass driven”. Raccontate un po’ di più la vostra esperienza a Milano?

LUCA – Ci ha fatto svoltare. Nel senso che ci ha permesso di fare delle esperienze che difficilmente una band della nostra levatura sarebbe riuscita a fare con le proprie forze. Aprire due concerti degli Afterhours nello scorso Tour, suonare al Germi, far parte di una rete di musicisti e band di un calibro tosto, che ci permette tuttora di organizzare date fuori dalla nostra città. Prima di andare a Milano ci era successo quasi per sbaglio, mentre adesso ci troviamo ad organizzare concerti non dico in tutta Italia, ma spesso “fuori casa”. Ed è molto emozionante avere amici che ci vogliono avere a casa loro per sentirci suonare. Ci ha fatto svoltare, c’è poco da dire. E anche il Tour di “Suoni da futuro” non è da meno in tutto questo pot-pourri. Quindi è chiaro che ci ha aperto un’altra visione di quello che può essere il nostro progetto. 

- Soffermiamoci su “Sarai città”, una canzone intrisa di malinconia, di ricordi. In questo caso l’introspezione si fa seria, vero?

FEDERICO – L’introspezione quale espressione autoriale è qualcosa su cui voglio lavorare molto perché è una dimensione che fa molto parte dei nostri brani. Riconosco che è per noi un punto di forza. Però da un altro aspetto più creativo sto pensando di dare spazio anche ad altri messaggi. Anche “Sarai città” è una canzone d’amore, la prima che ho provato a scrivere per quanto riguarda il testo e a comporla tutti insieme, per la tensione che volevamo esprimere con questo brano. “Sarai città” è stato un primo tentativo di fare una canzone d’amore. 

- Il pezzo contiene un bel lungo assolo rock come non se ne sentono più molti. Le formule del passato, per voi, possono diventare terreno fertile per qualcosa di nuovo?

FEDERICO – Assolutamente sì, io personalmente ci credo tanto perché con i vari movimenti che hanno preso piede e hanno fatto cose belle negli ultimi dieci, quindici anni credo si sia un po’ persa l’idea della canzone. La forma canzone è stata negli ultimi anni sottovalutata nell’ambiente rock. Però è qualcosa che di fatto è ciclico, perché quando negli anni 60 sono emersi i Beatles e tutti i musicisti italiani li volevano imitare hanno iniziato traducendo le loro canzoni e poi sono nati i cantautori che ascoltiamo, legati a quel periodo. Volendo parlare della scena degli 90, a distanza di trent’anni, pur con sonorità diverse è riuscita a fare la stessa cosa. Sia dal punto di vista autoriale che dell’idea di creare una struttura, una rete. Credo molto nel concetto di “canzone” proprio per questi motivi.

- “ANIMA” è il vostro pezzo incazzato e politico. Il diavolo di cui parla il testo è il sistema che si mangia tutto?

GIULIO – Quella canzone è stata una delle prime in assoluto che abbiamo fatto e il bersaglio è lo Stato, la politica, quindi un tema sociale. “ANIMA” parla proprio di queste cose anche perché ci siamo ispirati a gruppi come i Rage Against the Machine che parlano dell’ambito sociale, politico. Nel tempo comunque stiamo capendo che le nostre espressioni migliori a livello musicale e a livello di testo si basano sulle cose che abbiamo vissuto. Infatti, una canzone come “ANIMA” non si è ripetuta tra EP e singoli e ciò che stiamo componendo. Al di là del fatto che sia molto incazzata è una rabbia che ci portiamo dentro. L’abbiamo inserita in altri brani e la stiamo inserendo in altri e, infatti, “Distante” direi che è abbastanza aggressiva. “ANIMA” ha fatto parte di una fase in cui dovevamo ancora capire il “format”, usando un termine sbagliato, dei nostri pezzi.

- Passiamo alla parte live. Qual è la caratteristica che vi contraddistingue nel tenere il palco? Qual è l’elemento che per voi fa la differenza rispetto alle altre band?

LUCA – Secondo me quello che ci contraddistingue non è tanto la presenza scenica perché facciamo un po’ quello che ci sentiamo di fare. Non mettiamo in scena un grande show da vedere. Però siamo energici, mostriamo quanto ci piaccia stare sul palco e sicuramente è un aspetto che fa parte della nostra cifra. Secondo me, a un nostro live si instaura un rapporto con il pubblico che nel caso di altre band non si instaura ed è un po’ la motivazione della nostra musica. Quello che piacerebbe fare. Quindi, come diceva Giulio, okay parlare di temi che possono essere spinosi, ma secondo me è anche importante “spogliarsi” da un certo punto di vista. Raggiungere l’ascoltatore nel punto in cui è un po’ più fragile.

- Ultima curiosità. Siete ancora molto distanti dalla pubblicazione del nuovo album?

GIULIO – Siamo in una fase in cui l’album non è ancora definito ed è in elaborazione, una fase che rappresenta le fondamenta. Ci stiamo organizzando per fare una sessione di registrazione il prossimo anno. Non voglio parlare di un mese per non dare aspettative, ma di sicuro la nostra intenzione è quella di costruire una raccolta di nuovi brani anche diversi tra loro, ma che ci rappresentino. In questa fase stiamo raccogliendo le idee per poi svilupparle e vedere come interagiscono tra loro. 

C'è una terra di confine in cui la furia del rock si scioglie nella dolcezza di una confessione a cuore aperto. È in questa terra di mezzo che si muovono i Grida. La loro scossa elettrica attraversa il petto e va a toccare l'ascoltatore nei punti più scoperti e vulnerabili. Proprio quel tipo di musica di cui oggi abbiamo bisogno come aria. 

MORGAN AL MEI - PICCOLA INTERVISTA A CURA DI LUCA STRA IN OCCASIONE DELLA CONSEGNA DEL PREMIO "MEI 30 E LODE"

Ecco la piccola intervista a Morgan registrata al Mei in occasione della consegna del premio "Mei 30 e Lode" dal nostro inviato Luca Stra.

- Se dovessi scegliere una canzone, un movimento per spiegare cos’è la musica a un’altra forma di vita che la ignora completamente quale sceglieresti?

- Sicuramente sceglierei Beethoven, andrei sul sicuro per via della perfezione formale di quello che ha scritto e potrei avere a disposizione degli esempi molto chiari. È facile spiegare la musica quando si ha un riferimento così. Certo se dovessi spiegare che cos’è una canzone prima dovrei partire dallo spiegare che cos’è la musica dato che la canzone è una forma di musica. Probabilmente come esempio prenderei una mia canzone che si intitola “Altre forme di vita” e spiegherei cos’è una canzone attraverso una canzone che parla anche di alieni, quindi in modo autoreferenziale. Farei l’operazione che sto facendo, che è descritta anche nella canzone stessa. Mi metterei a ragionare sulla canzone portando come esempio una canzone che parla degli alieni, se devo parlare con un alieno. Poi se l’alieno è la metafora di chi non sa fare la musica va bene lo stesso, perché le canzoni piacciono a tutti, anche a chi non le sa fare. È questo il bello, le canzoni sono universali e vanno in giro per tutto l’universo. E c’è una cosa interessante che nessuno ha mai detto e che ho intuito io, che gli unici a saperle fare sono i terrestri. Questo è il motivo per cui noi piacciamo a tanti tipi diversi di alieni. Loro rosicano perché non sanno scrivere le canzoni. Se non fosse per questo ci massacrerebbero molto più rapidamente. Noi dobbiamo ringraziare chi fa le canzoni se siamo al mondo, perché sono quello che vogliono gli alieni da noi. L’arte in generale. Tu pensa a cosa rimane della storia dell’umanità, l’arte. Ci ricordiamo del Quattrocento per Leonardo, per che cos’altro? Cristoforo Colombo?

- La storia è ciclica, quello che è accaduto negli anni Venti del Novecento sta accadendo di nuovo adesso.

- Perché è ciclica la storia? Non è ciclica perché l’umanità è sempre ferma non perché la storia è ciclica, ma perché non evolve, perché è immobile. Secondo me è perché la terra non gira. Gli esseri umani sono sempre stati allo stesso livello. Un musicista che nel Settecento faceva musica come quella che scriveva Bach, per esempio, se oggi fosse qui farebbe la stessa cosa e sarebbe grandioso ugualmente. L’essere umano ha un limite oltre il quale non può andare. L’uomo intelligente del Milleduecento è uguale all’uomo intelligente di oggi. Non è più o meno evoluto. Secondo me è così sia a livello scientifico che tecnologico, artistico e dei sentimenti, perché altrimenti non ti spiegheresti perché certa poesia del Millequattrocento, del Milleduecento sia così raffinata, elevata. La raffinatezza di Petrarca è una squisitezza, se tu pensi a quanto è evoluto dal punto di vista della psiche quell’uomo, come è educato, che tipo di raffinatezza ha, oggi è la stessa cosa e non è che allora fossero brutali. Questo mi fa pensare che sia vera la teoria degli antichi astronauti (nda Tale teoria sostiene che esseri intelligenti extraterrestri abbiano visitato la Terra in epoche antiche o preistoriche, entrando in contatto con le prime civiltà umane). Io non sono un complottista, ma apprezzo i complottisti. Apprezzo chi studia queste cose, ad esempio David Icke, uno studioso inglese che da trent’anni afferma cose che si stanno rivelando vere. Gli hanno dato tutti del pazzo mentre invece ha completamente ragione. Gli esseri umani in qualche modo sono gestiti da civiltà extraterrestri e il livello scientifico dipende da quello. Queste civiltà hanno un livello scientifico molto elevato, ma non artistico. Non sono in grado di creare arte. Ecco perché non sono umani. La guerra non è umana e allora perché gli uomini la fanno se non lo è? Gli uomini non la fanno spontaneamente ma sotto costrizione perché una caratteristica dell’essere umano è non farla. Quindi c’è qualcosa che non torna. Perché se fosse tipica degli esseri umani la guerra la chiameremmo “cosa umana”. Ci raccontano che da sempre l’essere umano ha in sé una componente di bene e di male, ma non è vero perché se no la guerra sarebbe umana, mentre non lo è. È contraria all’essere umano e allora per quale motivo l’essere umano la fa? Perché da millenni è etero condizionato, condizionato a fare cose disumane contro la sua volontà. È un po’ come quando noi alleviamo le api. Le api sanno chi siamo noi? Non credo. Esattamente come quelli che ci allevano. 

Riprendendo le parole di Morgan il MEI 2026 si è confermato come un Meeting in cui la peculiarità umana di creare arte attraverso la musica ha avuto l’occasione per esprimersi in molti modi. La biodiversità musicale è la prova che la creatività umana non ha confini.

 

VOCI DAL MEI - ZEBRA.SYS E MATILDE MONTANARI - INTERVISTE A CURA DI LUCA STRA PER #DIAMANTINASCOSTI

La biodiversità musicale è la forza trainante del MEI di Faenza. Chiunque ami la musica in tutte le sue sfumature ha l’occasione per cogliere frutti veri, succosi e non gli omogenizzati che ci propina ogni giorno la discografia mainstream. Tra le molte proposte ho assaggiato quelle degli ZEBRA.sys, band romana che fa della contaminazione tra elettronica e ruvidezza rock la propria identità artistica e della cantautrice Matilde Montanari, dal taglio più classico che ha riversato tutta se stessa nel suo EP. 

La chiacchierata con Eugenio Giacomo Maglio e Paolo Castellani degli ZEBRA.sys è stata l’occasione per parlare del loro album “Shutdown Your System”, uscito a giugno. 

- Nel giro di pochi anni l’Italia ospiterà centinaia di data center, che sono estremamente energivori e alimentano l’Intelligenza Artificiale. Secondo voi “Shutdown Your System”, che è il titolo del vostro album, è l’unico modo per arrestare il sistema e fermarci poco prima della catastrofe?

EUGENIO - Per noi “Shutdown Your System” nasce dall’esigenza di mettere in atto una provocazione, tornare alla nostra energia istintiva fuori dallo schema dettato dalle giornate lavorative. Era importante trovare un’espressività ancorata alla realtà di oggi molto informatizzata e da qui è nata la provocazione, che ammicca anche un po’ all’immaginario vintage dell’informatica, per esempio il floppy disk. Torniamo indietro perché stiamo perdendo di vista il nostro lato umano.

PAOLO – Il nostro è metaforicamente un ritorno a un digitale analogico. L’iconografia cui ci rifacciamo è quella del digitale con un umano che ci mette del suo, mentre ora è tutto digitale guidato dal digitale stesso. L’essere umano così diventa schiavo del digitale, mentre invece l’intento è evocare il nostro lato selvaggio.

EUGENIO – Aggiungo che anche il nostro nome “ZEBRA.sys” è stato scelto per questo, perché la zebra è un animale della savana che sembra apparentemente anonimo, non si riconosce una zebra rispetto ad un’altra, invece ogni zebra ha una sua unicità, per esempio nelle striature. Il punto sys invece si riaggancia al digitale analogico ed è anche il trigger del nostro live, l’apertura di un file di sistema che crea confusione. 

PAOLO – È come un virus che anziché distruggere il computer ti libera. Pensi di essere libero mentre, in realtà, sei dentro un sistema. 

- Azzardo una definizione del genere che fate. Potremmo definirlo cybermetal? 

EUGENIO – Sì, ammicchiamo molto all’industrial, diciamo che le nostre principali fonti di ispirazione sono i Rammstein e i Nine Inch Nails. Abbiamo cercato di mescolare il tutto con le nostre radici. In realtà non abbiamo mai fatto questo genere di musica prima degli ZEBRA.sys. Ci siamo trovati a resettare il nostro background ed esplorare. Quindi è sicuramente cyber, ma molto ruvido.

PAOLO – Diciamo che la definizione ufficiale sarebbe techno industrial metal a sfondo cyber. La tua analisi è corretta, però usiamo anche molta techno. Non seguiamo né la strada totalmente metal né quella totalmente techno. Ci collochiamo nel mezzo. 

- L’attacco di “Drop the bomb” dà proprio l’impressione di sentir cadere le bombe. Sono gli incubi del passato che riaffiorano?

PAOLO – Tutto il nostro album è un percorso di liberazione dell’io e “Drop the bomb” è quel momento in cui ti rendi conto di poter fare qualcosa e sei pronto a sganciare la bomba. Pensi “ho tutta questa energia dentro di me, questa voglia di identità, di affermare me stesso e adesso è il momento di liberarla. Sono pronto a sganciare la bomba”. 

EUGENIO – “Drop the bomb” in questo momento storico è un’espressione volontariamente scomoda. Aggancio la tua attenzione, ma se ascolti il brano vorremmo che percepissi che la bomba di cui stiamo parlando ti libera da una struttura che ti ha castrato. Quindi è un’esplosione positiva.

- Parliamo del confine tra uomo e macchina nella creatività. Rischiamo di fare la fine di Jeff Goldblum nel film “La mosca”?

EUGENIO – Secondo me dipende dal punto di vista. Può essere un’occasione di evoluzione o un’occasione persa per fare un salto evolutivo. Il confine è molto sottile perché basta una scelta errata per metterci dal lato sbagliato della parete. In questo momento poi è un tema attualissimo l’intelligenza artificiale che ci sta schiacciando come artisti, ma se viene sfruttata come alleato nel processo creativo diventa un volano per la crescita. È uno strumento, dipende dall’uso che ne facciamo. 

- In “Jailbreak” il protagonista si trasforma in un virus che è capace di infiltrarsi nella rete conquistando la propria libertà. È recente la notizia di quello sviluppatore di Anthropic che si è dimesso spiegando che lui non voleva più fare questo lavoro perché metteva in pericolo la persona umana. 

PAOLO – Effettivamente la canzone tratta questo tema. “Jailbreak” è il finale del disco, quindi dopo essersi accorto di vivere in un sistema che non piace più è giunta l’ora di sganciare la bomba, “Jailbreak” rappresenta proprio il punto finale. Ora che mi sono liberato, proprio come quell’ingegnere, vi dico “adesso correte con me perché vi faccio vedere quanto è bello dall’altra parte”. 

EUGENIO – Vorrei aggiungere che tutti i brani del nostro disco sono come delle stanze sonore. Oltre alla traccia che si ascolta abbiamo sempre cercato di creare un ambiente. All’inizio di “Jailbreak” c’è il suono delle serrature campionate di un carcere che si aprono. L’obiettivo di questo progetto è creare una cage proprio attraverso l’immersività sonora, che si risolve nell’ultimo brano, la rottura di “Jailbreak”. 

- “Shutdown Your System” è stato definito come un campo di battaglia emotivo. Potete spiegarlo meglio?

PAOLO - Come in tutte le battaglie c’è il momento della lotta vera e propria e quello delle conseguenze. È come se si svolgesse una guerra interiore. L’album inizia con “Wild Night”, simbolica del momento in cui mi accorgo che qualcosa non va. Ci siamo immaginati il nostro personaggio di notte che capisce che nel cervello c’è un glitch attraverso cui riesce a trovare uno spiraglio di luce. È quello che gli fa capire che “okay non sto più bene qui, devo cominciare a preparare la mia battaglia”. Quindi è il primo passo. Poi con “Catch me” il protagonista comincia a correre. C’è un filo logico, se lo vedi dall’esterno è proprio come una guerra. Quando la studi a scuola ti dicono le motivazioni, le alleanze, la causa scatenante, i conflitti, che qui sono interiori e le conseguenze di cui abbiamo parlato in “Jailbreak” che è la liberazione, la fine della guerra. 

EUGENIO – E’ un meccanismo narrativo usato anche in ambito letterario, il viaggio dell’eroe, il momento di rottura iniziale che si crea in “Wild night”. Si inceppa qualcosa e inizia una catena di eventi che si risolve in una liberazione, un nuovo stato che ci auguriamo sia migliore del precedente.

- Nello scenario politico attuale segnato dalla presidenza di Donald Trump negli USA, la guerra e le conseguenze drammatiche delle decisioni di Netanyahu, il futuro è minacciato da figure come le loro. Quanta della rabbia che deriva da questo stato di cose è filtrata nei vostri pezzi?

PAOLO – L’inquietudine che provocano questi personaggi politici traspare nell’intenzione. Perché tutto ciò che grava sul nostro inconscio, a partire dalle piccole cose quotidiane, come lo svegliarsi presto per andare al lavoro, fare tardi la sera per colpa del lavoro stesso, le bollette, fino ad arrivare a questioni più grandi come la politica, i genocidi e le guerre mondiali sono tutte cause che nel nostro inconscio pesano e fanno venire voglia di resettare.

EUGENIO – Sicuramente la realtà circostante ci ha influenzato molto anche nella scelta di rafforzare il messaggio identitario di liberazione da ciò che siamo. Il problema è che nel momento in cui siamo soggiogati dalla nostra realtà quotidiana e non tiriamo su la testa siamo più facilmente plasmabili. In questo viaggio proponiamo all’ascoltatore di tornare a ricordarsi di sé stessi prima di tutto. Anche perché le persone di cui abbiamo parlato, i potenti sono esseri umani come noi e sono arrivati a quelle posizioni di potere per effetto di un percorso. Ognuno di noi può scegliere la direzione verso cui andare. Ognuno di noi ha la propria identità e può non essere un soggetto passivo. Noi tutti possiamo lasciare un segno. Il concetto è risvegliare la coscienza politica delle persone, ricordare prima di tutto chi siamo e poi aprirci. Vicino a noi c’è un’altra zebra.

PAOLO – Il nostro messaggio è riconoscerci come parte di un tutto, senza la volontà di prevaricare gli altri. Mi sono svegliato, mi sono riconosciuto come zebra e voglio risvegliare anche chi mi circonda. Siamo tutti uguali e anche diversi nella nostra identità, come le zebre. 

- Nella costruzione dei brani come evitate che la precisione chirurgica della drum machine vada a soffocare la carica viscerale del rock?

EUGENIO – Forse proprio la nostra origine artistica ci sta aiutando. Ci siamo immersi nel mondo dell’elettronica dopo aver raggiunto la maturità come musicisti rock, quindi quella rimane la vena dominante. Abbiamo cercato una sintesi per definire il nostro sound rispettando le nostre origini. Questo ci ha consentito, secondo me, di mantenere un’identità che non è classificabile come pura musica techno o pura musica elettronica, ma nemmeno pura musica rock. Ci piace moltissimo questo ibrido che in realtà non è stato neanche studiato, ma è molto naturale e nasce dall’esplorazione.

PAOLO – Per noi i limiti meccanici, della drum machine, qualsiasi tipo di limite non lo viviamo mai solo ed esclusivamente come tale, ma piuttosto come uno stimolo. Per esempio, i Beatles che avevano un registratore a quattro piste componevano musica che è ancora oggi moderna. Per noi fare musica è uno stimolo continuo, un’esplorazione costante, motivo di studio e di curiosità. 

- Dopo la vostra vittoria a Emergenza Live Italia 2025, le date nei club, l’uscita con l’etichetta Leave Music e la distribuzione Sony e adesso il MEI, in quale direzione state andando? Avete già un’idea del vostro futuro musicale?

EUGENIO – Stiamo già lavorando al prossimo album perché non ce la facciamo a fermarci. In questo momento stiamo puntando molto sul far conoscere la nostra musica con i live, il momento in cui riusciamo ad esprimere meglio le potenzialità del progetto, che ha una doppia veste, sia audio che audio video a seconda della venue. Il nostro obiettivo per il prossimo anno è aumentare la penetrazione più che del mercato, dei club, dei live perché è importante farsi scoprire. È inutile fare musica in cameretta, bisogna prendere la macchina, andare nei posti, conoscere le persone, agganciare gli altri con il nostro messaggio e continuare sempre così perché tanto non basta mai. Sottotraccia poi stiamo già sviluppando il prossimo disco perché il viaggio di questo album finisce con la liberazione, ma poi cosa succede? Abbiamo in mente la traiettoria da prendere, speriamo di poter chiudere la lavorazione il prossimo anno perché abbiamo tanta voglia di proporre la nostra musica a chi ci vorrà ascoltare. 

-Vorrei parlarvi di una realtà che è uscita recentemente, si tratta di una piattaforma di promozione della musica dal basso che si chiama “Subvert”. Nasce dall’esperienza di Bandcamp, ma l’obiettivo è arrivare a dare agli artisti il 100 per cento delle royalties con una struttura basata su una cooperativa di musicisti. Il finanziamento  è degli ascoltatori che fanno donazioni spontanee, investimenti collettivi della community e quote di iscrizione. Come valutate questo modello? Senza arrivare ad uno shutdown di Spotify…

EUGENIO – Ma anche sì perché purtroppo si è creata una sorta di oligarchia distributiva che sta penalizzando progetti molto validi che potrebbero avere un ottimo riscontro. Non parlo degli ZEBRA.sys, ma proprio della musica che gira. Questa realtà che hai citato non la conoscevamo e la approfondiremo, ma il messaggio chiave è che non bisogna calarsi dall’alto ma salire dal basso, così costruisci la tua base. C’è un’altra realtà in Italia con cui abbiamo collaborato che è “Concerti Fuorisede”, una bellissima idea tutta italiana. Si basa su una serie di locali che si agganciano a un circuito di scambio date e ci sono band che girano all’interno di queste venues. Una rete di musicisti che bypassano il meccanismo del booking a livello dei club. Poi sappiamo che la professionalità delle maestranze è fondamentale quando si arriva a un certo livello e ci mancherebbe. Il centro del discorso è toglierci di testa che qualcosa ci arrivi dall’alto o ci arrivi perché ci hanno visti da qualche parte su Instagram. L’opportunità migliore per farsi conoscere è l’esperienza in presenza perché si attivano molti più sensi. Un conto è vederti, un conto è ascoltarti e un altro ancora è sentire il basso nella pancia che spinge. 

PAOLO – Il nostro intento è creare qualcosa di multimediale, sia video che audio. Se potessimo suonare anche altri sensi come il gusto lo suoneremmo. Vogliamo fare esperienze sensoriali a 365 gradi. 

EUGENIO – Sì aggiungiamo anche cinque gradi, quindi un giro e un po’ di più. Abbiamo proposto il nostro progetto anche nei cinema facendo spettacoli come lungometraggi cinematografici con delle grafiche. L’esperienza cinematografica aveva l’obiettivo di aumentare l’immersività ed è stato molto figo perché noi siamo controluce rispetto a uno schermo cinematografico ed abbiamo un look abbastanza caratteristico. Lo spettatore soffre quasi sulla poltrona perché si vorrebbe alzare e pogare però l’idea è anche quella di farti percepire quanto è scomodo dove sei. Io vorrei che al prossimo concerto in un cinema la gente si alzasse, desse di matto e abbandonasse i posti assegnati.

PAOLO – Vorremmo che la gente si liberasse, facesse un jailbreak.

- A livello di una band esordiente come la vostra secondo voi ha ancora un senso il do it yourself? 

EUGENIO – Certamente. Noi facciamo praticamente tutto come do it yourself. Per questo disco abbiamo seguito tutta la filiera, dalla registrazione al missaggio fino al mastering. Poi ci dà una mano la nostra etichetta “Leave Music”, lo staff che siamo riusciti a convincere con il nostro progetto, ma non dimentichiamo che il primo passo lo abbiamo dovuto fare noi, non ci sono state scorciatoie, anzi è stata una grande scommessa perché abbiamo suonato sempre altri generi. La prima serata che siamo saliti insieme su un palco a marzo 2025 abbiamo pensato “adesso vediamo come va a noi sembra una cosa fighissima mentre potrebbe essere una cagata pazzesca”. Eravamo al Traffic di Roma ad una serata di selezione iniziale, una battaglia con il coltello tra i denti…

PAOLO – Selezione di “Emergenza Live”.

EUGENIO – E poi è andata bene, ci hanno richiamato, abbiamo vinto a “Largo Venue”, quindi ai “Magazzini Generali” e non ce l’aspettavamo.

PAOLO – Ci siamo resi conto che il miglior veicolo delle nostre idee siamo noi stessi. Accettiamo sempre i consigli di tutti, ma se abbiamo in mente un suono, una canzone alla fine ci mettiamo noi due fino alle quattro di notte finché non prende forma. Non cerchiamo qualcuno che ci dica cosa fare a livello musicale. Siamo ancora un fiume di idee.

- Chi è tra voi due la mente creativa?

EUGENIO – Siamo una mente alveare perché ognuno ha competenze maggiori in un campo e ci compensiamo a vicenda. Io sono più centrato sulla parte ritmica e sulla promozione del progetto e finché non ottengo quello che voglio faccio il mastino napoletano. Però a livello tecnico Paolo fa veramente la differenza. Tutta la parte di produzione di cui parlavamo è stata seguita da lui. Nella composizione dei pezzi invece ci mescoliamo veramente. Magari arrivo con l’idea di un testo in cui mi manca la parola chiave e la trova lui, oppure ho un riff che non riesco a chiudere e lo fa lui. È anche bello avere questa elasticità e non siamo gelosi uno delle idee dell’altro. L’importante è che abbiamo entrambi la sensazione di aver raggiunto l’obiettivo. 

Il concetto di concept album accomuna gli ZEBRA.sys e la cantautrice forlivese Matilde Montanari. Anche lei ha pubblicato il proprio EP “Grazie per il trauma” come racconto autobiografico delle tappe di un percorso che porta dal dolore per la prima grande delusione d’amore e all’elaborazione del distacco. Dal vivo la sua esibizione dà la misura dell’esperienza già accumulata alla sua giovanissima età, con numerosi premi vinti e l’esibizione a The Voice Generations 2026 che l’ha vista arrivare in finale in coppia con la zia Sara. Appena scesa dal palco l’ho fermata per qualche domanda.

- Mi è piaciuta molto la tua energia live. Hai un modo di stare sul palco che sprigiona la tua voglia di esprimerti. 

- Sono molto contenta che arrivi questa energia, il fatto che ho proprio voglia di portare le persone ad ascoltare la mia musica. 

- Vorresti che diventasse il tuo lavoro.

- Posso dire che nel mio piccolo è già il mio lavoro, non sono più dipendente dai miei da quando avevo quattordici anni e sì voglio che lo diventi a lungo termine. 

- Parliamo del titolo dell’EP, quel “Grazie per il trauma”. L’intro sembra aver assimilato il dolore.

- Sì esatto. L’EP racconta della prima rottura che ho affrontato, il primo amore. L’ho scritto tra i diciassette e i diciotto anni, quindi due anni fa e l’intro è un’esortazione ad ascoltare. Comunque, è un dolore già elaborato perché ne ho scritto dopo averlo superato. Il titolo “Grazie per il trauma” esprime proprio il fatto che è stata la prima esperienza dolorosa che ho passato nella mia vita. Ti dico una curiosità, l’intro è l’anagramma del cognome dell’ex fidanzato che mi ha lasciata. 

- Mi ha incuriosito l’espressione insolita “qualche cicatrice carina”. 

- Sì, è perché cerco di vedere il lato buono anche nel dolore e quindi credo che le cicatrici possano diventare un bel tatuaggio.

- Come mai la scelta di registrare l’EP dal vivo?

- L’EP è stato registrato tutto dal vivo perché avevo bisogno che le parole dette avessero un peso e quando si registra in studio in modo compresso non succede mai. Io sono una super fan della musica dal vivo, credo che non debba sparire, la dimensione dal vivo è fondamentale e mi scoccia quando qualche volta mi devo esibire su una base. Ogni volta che posso voglio avere la mia band e quindi è stato questo il motivo per cui lo abbiamo registrato dal vivo.

- Il problema da questo punto di vista è che tutta la rete dei club che c’era in Italia, soprattutto nelle grandi città sta sparendo.

- Sì, credo sia molto triste perché il mercato musicale propina musica compressa fatta solamente in studio. Credo che invece possano coesistere entrambe le cose. Ho dei pezzi che sono stati fatti in studio e dei pezzi usciti come live. Una cosa non esclude l’altra. La dimensione live però deve sempre essere presente per un artista.

- Il pezzo “Come fanno i gatti” ha un’impostazione blues, anche un po’ jazzata e parla della fine della dipendenza da una storia d’amore e l’inizio del distacco. Una fase di ambiguità, in cui canti “io ti giuro per sempre rimango un po’ tua” ma anche “ti maledirò”. 

- Sì, è il pezzo in cui ti rendi conto di essere stata lasciata, ma con quella persona eri come i gatti che si corrono dietro, che poi alla fine non si riescono più a prendere. A un certo punto della relazione ho vissuto proprio quella fase. Il pezzo ha queste sonorità perché studio jazz al Conservatorio e mi piace contaminare la mia musica con altri generi. 

- Quindi ti diplomerai al Conservatorio.

- Quest’anno mi laureo. 

- In che strumento?

- Canto e basso. 

- Parliamo ancora di “Disordin3” che con quel tre al posto della “e” è un pezzo già un po’ disordinato nel titolo.

- Esatto, l’ho fatto apposta. “Disordin3” è il pezzo che mi racconta meglio ed infatti è quello con cui abbiamo aperto stasera perché parla esattamente di ciò che ho vissuto nella mia testa post rottura e credo fosse la parte più importante da elaborare. Avevo in testa caos estremo e attraverso questa canzone sono riuscita a rimettere un po’ in ordine le idee. 

- La società ci vuole tutti supereroi, ma secondo te non è meglio essere piuttosto super umani?

- Sì per me è meglio essere super umani, super fragili perché ho vissuto un momento in cui le persone credevano che io fossi letteralmente un muro, senza emozioni, una persona antipatica che se la tira. In realtà io avevo bisogno di far vedere agli altri che è meglio essere super fragili che supereroi. 

- Questa super fragilità si esprime in modo struggente in “Ogni goccia”. 

- Sì, è il brano che ho voluto scrivere in modo più emotivo per esprimere l’idea che il dolore c’è ma ogni goccia la puoi trasformare non solo in un pianto, ma in un modo per ripartire. 

DIGGER - IL MONDO FINISCE, INARRITU CONTINUA A SCAVARE - RECENSIONE A CURA DI NICOLA PICE PER #8MM, IL CINEMA DI RISERVA INDIE

Ci sono registi che, dopo aver elaborato un linguaggio filmico, finiscono per esserne prigionieri…e poi c'è Alejandro González Iñárritu che sembra avere bisogno ogni volta di distruggere il proprio cinema per ricominciare da capo. 

“Digger”, il suo nuovo film con Tom Cruise, arriva dopo “Bardo” e dopo una carriera costruita su l'attrito tra spettacolo e tragedia, virtuosismo e colpa, individuo e catastrofe.

Stavolta Iñárritu spinge le sua ossessione su un terreno inedito: quello della farsa apocalittica.

Al centro della narrazione c'è Digger Rockwell, un potentissimo magnate texano del petrolio che si trova improvvisamente davanti alle conseguenze del sistema economico di cui si è nutrito: un disastro ambientale di proporzioni planetarie minaccia di precipitare il mondo nell’emergenza e Digger, anziché assumersi le proprie responsabilità, si convince di poter diventare il salvatore dell'umanità. 

Il carnefice che si presenta come redentore: è questo il paradosso sul quale Iñárritu costruisce una satira nerissima sul potere, sul capitalismo energivoro, sulla politica e soprattutto sulla capacità di trasformare la realtà in spettacolo. 

La prima sorpresa di “Digger” è che il regista di “Amores perros”, “21 grammi”, “Babel” e “The Revenant” sembra, almeno inizialmente, rinunciare a una delle sue caratteristiche più riconoscibili: la macchina da presa in perpetuo movimento.

Dove “Birdman” costruiva l’illusione di un unico, interminabile piano-sequenza e “The Revenant” trasformava il movimento della macchina da presa in un’immersione fisica nella natura, “Digger” preferisce spesso l’immobilità, la composizione frontale, il quadro studiato quasi come una vignetta. 

La cinesi è impiegata con maggiore parsimonia: panoramiche e carrelli adoperati con movimenti controllati come se Iñárritu avesse deciso di imbrigliare il proprio istinto barocco invece di lasciarlo esplodere.

La scelta non è soltanto estetica: il mondo di Digger è un mondo già costruito, rappresentato, in cui gli spazi diventano giganteschi palcoscenici nei quali uomini potentissimi assumono pose grottesche innaturali e poco reali. 

Il film sembra dunque riflettere continuamente sulla propria natura artificiale: ciò che vediamo è realtà, spettacolo, rappresentazione o una combinazione delle tre cose?

È una domanda profondamente iñárrituiana. 

In “Birdman” il confine tra teatro, cinema, identità dell'attore e realtà psicologica si dissolveva progressivamente; in “Bardo” la memoria diventava un territorio instabile nel quale sogno, autobiografia e storia nazionale si confondevano. 

“Digger” porta questa stessa instabilità dentro una satira politica e ambientale, rendendo la forma stessa del film parte del discorso.

A rendere possibile questa nuova grammatica visiva c'è ancora Emmanuel “Chivo” Lubezki, collaboratore fondamentale di Iñárritu in “Birdman” e “The Revenant”. 

I due tornano alla pellicola e al VistaVision, formato che permette un’immagine di straordinaria ampiezza e definizione con un risultato deliberatamente monumentale: i corpi occupano il fotogramma, gli ambienti sembrano sproporzionati e l'architettura del potere diventa quasi fisicamente opprimente.

La vera intuizione di Lubezki, tuttavia, non è semplicemente quella di produrre “belle immagini” ma utilizzare la monumentalità contro i personaggi: Digger è enorme perché enorme è il suo ego; gli ambienti sono sovradimensionati perché sovradimensionata è l’idea del proprio ruolo nel mondo.

La fotografia lavora inoltre su una tavolozza desaturata, sporca, spesso giallastra e livida, lontanissima tanto dalla luminosità artificiale di Birdman quanto dalla spettacolare wilderness di The Revenant. 

La natura non è più lo spazio sublime e straziante nel quale l’uomo lotta per sopravvivere: è una superficie ferita dall'uomo stesso.

E qui emerge un'altra differenza fondamentale perchè se nel cinema precedente di Iñárritu la natura poteva rappresentare un avversario, un'entità indifferente alla presenza umana, in Digger è invece quasi una vittima, contaminata dalla presenza degli esseri umani prima ancora che la catastrofe arrivi.

Il montaggio, affidato a Stephen Mirrione e Conor O’Neill, partecipa a questo cambiamento: Iñárritu non rinuncia alla frammentazione che aveva caratterizzato “21 grammi” e “Babel”, ma la utilizza in modo meno scopertamente virtuosistico.

Il montaggio alterna blocchi narrativi relativamente distesi a improvvise accelerazioni, costruendo una tensione che non deriva soltanto dall’azione ma dalla collisione fra punti di vista, registri e livelli di realtà. 

È un cinema che spesso sembra sul punto di perdere il controllo per poi ricomporsi in una forma rigorosamente geometrica.

Laddove in “21 grammi” il montaggio manipolava il tempo per frantumare la percezione dello spettatore, in “Digger” il montaggio ha la funzione di mettere in crisi la percezione stessa della realtà. 

Non è più soltanto la domanda “quando è successo?”, ma “che cosa sto realmente guardando?”.

Il risultato è deliberatamente destabilizzante e spiega anche una parte delle reazioni controverse al film: la struttura richiede allo spettatore di accettare continui cambiamenti di registro, passando dalla commedia grottesca al disaster movie, dal dramma politico alla riflessione metacinematografica.

La colonna sonora ad opera di Cosmo Sheldrake segue la stessa logica di disorientamento: non cerca il rassicurante tema epico che ci si aspetterebbe da un film apocalittico con Tom Cruise ma, al contrario, costruisce un paesaggio sonoro nervoso, straniante, spesso quasi sgradevole.

È una scelta coerente con il progetto: “Digger” non vuole farci vivere la catastrofe come spettacolo eroico, ma come qualcosa di assurdo, disturbante e fuori asse. 

La musica sembra talvolta anticipare o contraddire le immagini, contribuendo alla sensazione che il film stia costantemente per scivolare fuori dal proprio genere ed in questo senso definisce anche uno degli aspetti più divisivi dell’opera: alcuni recensori hanno apprezzato proprio questa radicalità sonora, mentre altri hanno trovato la partitura eccessivamente aggressiva e distraente.

…e poi c'è Tom Cruise la cui scelta è probabilmente la trovata più intelligente dell'intero progetto. 

L'attore che da decenni interpreta uomini capaci di correre più velocemente della catastrofe, saltare dai grattacieli e salvare il mondo viene qui trasformato nell’uomo che ha contribuito a distruggerlo.

Cruise non interpreta Digger con il distacco dell’attore che sa di essere dentro una satira ma, al contrario, si getta nel personaggio con una ferocia quasi oscena: trucco prostetico, corpo appesantito, postura, voce e mimica che cancellano l’immagine glamour dell’eroe hollywoodiano e la sostituiscono con quella di un uomo arrogante, infantile e mostruosamente convinto della propria indispensabilità.  

La performance di Cruise è rischiosa proprio perché non ha nulla di empatico: l’attore accetta di rendersi ridicolo, sgradevole, persino repellente e, tuttavia, conserva qualcosa dell'energia magnetica della sua figura cinematografica.

Anche quando Digger è un idiota, Cruise è impossibile da ignorare.

Il confronto con la sua carriera è inevitabile: se Top Gun/Maverick aveva trasformato la sua iconografia di star in un monumento al cinema spettacolare, Digger fa l’operazione opposta perché prende a picconate quel monumento.

Non sorprende quindi che la critica sia divisa anche sulla sua interpretazione: per alcuni è una delle migliori prove della sua carriera, per altri l'eccesso caricaturale impedisce al personaggio di acquisire autentica profondità.  

Accanto a lui, Riz Ahmed trova un registro più trattenuto e nervoso, mentre John Goodman sfrutta magnificamente la propria fisicità per trasformare il presidente in una caricatura inquietante del potere istituzionale. 

Sandra Hüller, Jesse Plemons e Michael Stuhlbarg contribuiscono alla definizione di un ensemble volutamente sopra le righe, nel quale ogni interprete sembra consapevole di partecipare ad una gigantesca macchina grottesca.  

Le reazioni a questo film, a tutti gli effetti, costituiscono uno spettacolo nello spettacolo. 

Il film ha ottenuto pareri entusiastici per la sua audacia formale e per la performance di Cruise, ma anche stroncature feroci per la sua presunta pomposità e per l’incapacità di trovare un equilibrio tra satira, dramma e commedia. 

Rotten Tomatoes registra attualmente il 51% di recensioni positive, mentre Metacritic si attesta a 44/100 ed è significativo che persino le recensioni favorevoli lo difendano spesso con l’elemento che quelle negative gli rimproverano: l’eccesso. 

C'è chi vi ha visto una sorta di Dr. Strangelove del XXI secolo e chi, al contrario, lo ha giudicato un'opera che prende in prestito la forma della satira senza possederne la sottigliezza.

La spaccatura della critica riguarda, dunque, non tanto ciò che “Digger” vuole dire, quanto il modo in cui pretende di dirlo. 

Infatti, è difficile negare che il film abbia qualcosa di urgente da raccontare: il rapporto tra potere economico, crisi climatica, propaganda e spettacolarizzazione della politica. 

Più discutibile è la convinzione di Iñárritu che l’accumulo di simboli, metafore e virtuosismi debba necessariamente produrre profondità.

Quindi ha ragione chi afferma che il limite di “Digger” è, paradossalmente, anche la sua qualità più affascinante: la mancanza di misura. 

“Digger” non vuole essere semplicemente una satira sul capitalismo energivoro-fossile: vuole essere una satira sul capitalismo tout-court, sulla politica, sullo spettacolo, sulla responsabilità individuale, sull'industria cinematografica, sull’ego degli artisti e sull’incapacità di distinguere tra realtà e narrazione.

È troppo? Probabilmente sì ma sarebbe un errore liquidare questo film come un semplice esercizio di narcisismo autoriale. 

Iñárritu sta cercando qualcosa di più difficile: dopo aver costruito per vent’anni un cinema fondato sulla sofferenza, sul virtuosismo e sulla monumentalità, il regista sembra chiedersi se anche il cinema d’autore non sia diventato una forma di spettacolo sterile. 

In questo senso “Digger” non è un film sull'apocalisse ma un film sulla rappresentazione dell'apocalisse e Tom Cruise, al centro di questo gigantesco dispositivo, è contemporaneamente il protagonista, la vittima e il bersaglio perfetto di questa rappresentazione, l’ultimo grande eroe hollywoodiano che interpreta un uomo incapace di capire che il mondo non ha più bisogno di essere salvato da lui.

Iñárritu scava, dunque. 

Scava sotto il disaster movie, sotto la satira, sotto il divismo di Cruise e sotto il proprio stesso cinema. 

A volte trova qualcosa di prezioso, altre volte soltanto altra terra ma è difficile uscire dalla sala senza avere l’impressione che, almeno questa volta, la pala abbia colpito qualcosa di solido.