Una casa nelle campagne di Arezzo circondata da boschi blu. È in questo luogo tra silenzio e sogni che è nato “Dove I Fiori Non Muoiono” dei torinesi Euphonia. Miriam Ballerini (voce e tastiere), Jacopo Cattanea (chitarra), Lorenzo Consoli (chitarra e sintetizzatori), Federico Vicari (batteria) e Laura Amerio (basso e basso synth) si sono isolati dal mondo per una settimana e hanno trovato la direzione giusta per dare un senso più profondo al loro disco. Composto da otto brani, “Dove I Fiori Non Muoiono” trabocca di strumenti ma, allo stesso tempo, ogni passaggio è ridotto all’essenziale. L’abbondanza non diventa mai ridondanza. Apre l’album "La Mia Carne" che contiene il verso chiave dell'intero progetto: “Scappo dove i fiori non muoiono, nel bosco blu”. Il bosco blu rappresenta il punto di arrivo della mappa dei luoghi emotivi che tracciano il percorso dell’intero disco, un luogo di pace e riconnessione con la vulnerabilità del proprio io più profondo. A seguire "Cento Fate", nato dall'esperienza al “_resetfestival” con Dario Mangiaracina de La Rappresentante di Lista, che ha co-arrangiato il pezzo, spicca per la cura delle dinamiche e per il lavoro svolto sullo special, punto di svolta in cui la voce guida la successiva esplosione strumentale. Molti brani si legano uno all’altro in un continuum pinkfloydiano in cui i piccoli rumori, le voci di fondo che sporcano il silenzio aggiungono ulteriori sfumature. “Sei Nebulosa” dai vaghi sapori folk nelle prime strofe riprende la metafora del bosco blu come luogo di riflessione su cosa siamo. “Sulle stelle, Insieme A Voi” esprime il puro lirismo notturno introspettivo di una camminata nel fitto della boscaglia tra gli alberi. “Forse C’è La Neve”, brano in cui il basso gioca un ruolo chiave, è una fotografia malinconica scattata ai ricordi del Natale. “La Città dei Sogni” gioca sull’armonizzazione della voce di Miriam, frontwoman più che mai, che guida come una direttrice d’orchestra l’innalzarsi del muro dei synth. Penultima traccia del disco “Non È Colpa Tua” porta alla ribalta la sezione ritmica, che è motore indiscusso del brano. In chiusura del lavoro “Giallo” è il suono di una chitarra e il canto di musicisti seduti su un prato sotto un manto di stelle che risplendono come diamanti pazzi. La deflagrazione sonora dà un senso di liberazione che nel finale porta con sé la sensazione di stare finalmente bene.
Abbiamo fatto una chiacchierata con Miriam Ballerini, con un intervento di Lorenzo Consoli.
- Cosa rappresenta per voi il colore blu? Blu come la copertina, come il bosco, come il prato…
- Sicuramente il blu, come in molte altre tradizioni musicali è il colore della malinconia e della tristezza. Però in questo disco, almeno per me, è associato molto alla notte, alla natura di notte. Al perdersi nel cielo, al perdersi nelle stelle ed è associato anche alla riflessione.
- Infatti se non sbaglio c’è un’espressione inglese, “to be in a blue mood” che significa essere triste.
- Esatto, ma poi anche nella tradizione jazz il blu è strausato.
- Ho letto che il singolo “Cento Fate” è stato co arrangiato da Dario Mangiaracina de La Rappresentante di Lista. Quale contributo ha portato nella ricerca delle dinamiche, dell’equilibrio del pezzo?
- Noi lo abbiamo co arrangiato con lui perché abbiamo partecipato al _resetfestival (nda un Festival torinese che è allo stesso tempo vetrina, eventi, formazione e scouting) in cui ogni artista viene affiancato da un mentore, che nel nostro caso era Dario. Il pezzo in realtà era già quasi tutto arrangiato. Lui ci ha dato una grossa mano soprattutto sullo special che era un po’ senza gusto. Il lavoro con lui è stato molto divertente perché, innanzitutto, io all’inizio suonavo anche la tastiera e lui mi ha detto “togliti dalla tastiera, canta e basta”. Cosa che per me è stata un attimo difficile. E sullo special che è una parte che cresce molto come dinamica mi ha detto “tu cresci con la frase non mi basta, non mi basta” e fai capire ai musicisti quando devono fermarsi per poi andare sulla parte strumentale. Poi effettivamente anche un po’ di chicche a livello di produzione ce le ha spiegate, come sul basso, sul suono della chitarra. È stato davvero molto utile.
- Quindi vi ha anche spiegato come fare da soli la prossima volta in studio.
- Ci ha dato tanto per il live. Insieme abbiamo preparato il concerto di quella sera all’Hiroshima Mon Amour, abbiamo provato la scaletta più volte, lui mi ha dato tanti consigli su come stare sul palco e ammetto che questa esperienza ha cambiato anche un po’ il mio modo di vedere il live.
- Quale è stata la differenza tra prima e ora?
- Io adoro nascondermi dietro le tastiere, però per come esce la voce nel disco, per l’importanza che ha e anche per come è mixato è giusto che mi prenda lo spazio da leader, da cantante e quindi che impari a muovermi sul palco. Lo sto ancora facendo, però da quando abbiamo lavorato con Dario ad ora mi concentro molto di più sul cantare, sull’essere più presente fisicamente sul palco.
- E delle tastiere chi si occupa?
- Lorenzo. In realtà lui si è sempre occupato delle tastiere perché noi ne abbiamo un po’ sul palco. Al momento sono quattro, prima erano cinque. Sì, ci piacciono i tasti. Semplicemente abbiamo deciso che della parte elettronica si occupi di più lui e io intervengo solo per le parti di piano. Quindi per me c’è il momento più intimo in cui suono di pianoforte, però come dicevo della parte elettronica si occupa di più lui.
- Poi una caratteristica che apprezzo dei vostri brani è quella di mischiare i momenti, cioè ci sono dei crescendo come onde che salgono, scendono e risalgono.
- Sì, capita spesso, a volte è voluto e a volte no perché poi nella scrittura succedono mille cose diverse. Magari arriva qualcuno con un giro già scritto. Altre volte il pezzo prende direzioni inaspettate quindi invece di una struttura lineare strofa-ritornello-strofa-ritornello ci perdiamo in mille crescendo.
- Per la scrittura dell’album avete vissuto un ritiro di una settimana in una casa sperduta in provincia di Arezzo. Come ha influenzato questa scelta l’album che è poi uscito?
- L’ha influenzato tantissimo. Uno di noi ha la fortuna di avere questa casa di famiglia in provincia di Arezzo proprio nel nulla. Quando scrivo un testo mi capita all’inizio di dire parole a caso. Ad esempio il bosco blu. Era del tutto casuale. Poi passando questa settimana in posti in cui era tutto silenzioso, nei boschi la notte con le stelle ho pensato “il tema centrale del disco deve essere anche questo”. Siamo stati totalmente ispirati da quel posto.
- Le chitarre di Jacopo e Lorenzo lavorano per saturazione. Come avete curato l’equilibrio tra questi strati sonori e la sezione ritmica?
- Questa domanda dovresti farla a Lorenzo perché il disco l’ha mixato lui e si è occupato molto anche della produzione.
LORENZO (nda mi ha gentilmente inviato la sua risposta). Abbiamo la fortuna di essere in cinque, quindi una volta definita e concretizzata la sezione ritmica abbiamo altri due, tre strumenti che sono le chitarre elettriche o la chitarra classica o acustica, i sintetizzatori o il pianoforte che possono essere molto liberi sul lato melodico e armonico. Questo perché essendo in tanti possiamo essere un po’ più slegati dalla sezione ritmica. Quindi abbiamo lavorato definendo basso e batteria in modo che funzionassero bene insieme indipendentemente da tutto, nonostante non siano strumenti prettamente ritmici. Il basso soprattutto è molto melodico in quest’album, ma penso anche alla batteria in pezzi come “Non è colpa tua”, per quanto sia un po’ un’iperbole ha una componente quasi melodica per il tipo di pattern che suona e le accordature dei tamburi. Una volta definita, come dicevo, la sezione ritmica ci siamo molto sbizzarriti sul lato armonico e melodico avendo tanti strumenti e ne abbiamo usati davvero tanti, purtroppo o per fortuna non ci siamo limitati sotto questo aspetto. Il risultato finale è senz’altro molto denso e saturo, ma non prescinde dall’idea iniziale che era avere una sezione ritmica che funzioni, avere una melodia che funzioni e di conseguenza delle armonie molto libere.
- Parliamo dell’atmosfera onirica di “Sei Nebulosa”, le domande sulla propria esistenza, su cosa si è. Il verso “Nel girotondo di porte e di specchi tu non vivi più” è una metafora del senso di intrappolamento in cui viviamo oggi, che è come essere in un labirinto di specchi?
- Sì esatto. Parla di ricerca personale, di essere totalmente persi.
- Nei vostri testi le riflessioni politiche e sociali emergono in modo metaforico a partire dai vostri stati d’animo. Credete che la musica debba avere sempre una funzione di testimonianza collettiva?
- Sempre forse no però penso, parlando per esperienza personale, nel momento in cui decido di parlare di me, che le mie emozioni siano inevitabilmente correlate alla società in cui vivo. Per cui per forza devo parlare di qualche aspetto sociale, politico. Perché quello che vivo e che sento è inevitabilmente collegato all’attualità. Secondo me, ad esempio, i palchi devono essere un mezzo per esprimere opinioni. Nel momento in cui si ha un microfono in mano è giusto esporsi.
- Ho visto che siete riusciti già a fare un bel percorso live, vi siete esibiti anche all’Eurovision. Come ci siete arrivati?
- Quella è stata una delle nostre primissime esperienze. Era l’Eurovision Village, un evento a parte rispetto all’Eurovision vero e proprio, che avevamo fatto solo in duo, chitarra e voce io e Jacopo perché avevamo vinto il “ToVision”, un contest tra Licei che adesso è cresciuto, ma quando abbiamo partecipato noi nel 2022 era proprio il primo anno, una cosa un po’ più piccola,. A Eurovision Village eravamo solo io e Jacopo ed erano i primissimi concerti.
- Ai miei tempi si chiamava se non ricordo male “Pagella rock”.
- No, quella è ancora un’altra cosa.
- Cui avete sempre partecipato se non sbaglio.
- Sì esatto, due anni fa sì.
- Il vostro esordio come band invece quando è stato?
- Come band è stato al CAP10100, sempre nel 2022, però con due elementi, bassista e batterista, diversi.
- Qual è il percorso che è chiamato a fare l’ascoltatore da “La Mia Carne” a “Giallo”. Quindi dal blu al giallo?
- A me piacerebbe che ogni ascoltatore avesse davanti a sé una mappa, che noi diamo nei CD, in cui sono specificati tutti i luoghi del disco. Forse è un po’ difficile capirlo solo dall’ascolto, ma il disco nei testi segue un percorso preciso che va dalla città alla natura e arrivare al bosco blu. Un percorso fisico, ma anche metaforico e personale che non so se si riesca a capire dai testi. Non è un percorso totalmente lineare, però se tutti avessero la mappa davanti sarebbe perfetto.
- Ma secondo te non è troppo facile avere la mappa e non conviene a volte buttarla via?
- Sì effettivamente sì.
Con “Dove I Fiori Non Muoiono” gli Euphonia firmano un disco di emozioni autentiche in cui ognuno si può riconoscere. Perché perdersi nel buio è spesso il primo passo per ritrovare sé stessi.
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